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Conférence d'avant-concert avec Benjamin Knapp
18h00 - 19h00
Lieu : Salle A-832 (8e étage), Pavillon de la musique Elizabeth Wirth, 527 rue Sherbrooke O.
Benjamin Knapp, directeur exécutif de l'ICAT à Virginia Tech, présentera quelques-unes des initiatives majeures entreprises par l'ICAT pour étendre la portée et la reconnaissance mondiales de la recherche et de l'enseignement intégrés dans le domaine des arts et du design à Virginia Tech. Le rôle de l'ICAT en tant que laboratoire national du NEA, dirigeant national dans le rôle du processus créatif et de l'intelligence artificielle, et créateur d'un nouveau programme d'échange international dans le domaine des arts et du design sera abordé. Chacun de ces programmes envisage les énormes changements qui se produisent dans les domaines de la créativité, des arts et de la technologie dans le monde entier.
*Veuillez noter que le nombre de participants est limité à 60 personnes et que les places seront attribuées selon le principe du premier arrivé, premier servi.
Programme du concert
Dear Younger Me* (2023)
Média audiovisuel fixe. Durée: 5:00
L'adultisation des filles noires et la déshumanisation des femmes noires, qui les prive du droit d'exprimer leurs émotions et leur vulnérabilité, contribuent à divers degrés à l'apparition de problèmes de santé mentale chez les femmes et les filles noires. Le projet Dear Younger Me est un effort artistique collaboratif qui utilise la technologie et la psychologie pour créer des espaces de guérison et sensibiliser les communautés. Le projet adopte une approche en trois volets : (1) un atelier permettant aux femmes d'écrire une note à leur jeune moi ; (2) l'enregistrement des femmes lisant leurs notes à l'aide d'une montre Empatica E4 ; l'oxymétrie de pouls et l'activité électrodermale (EDA) pour enregistrer leur réponse émotionnelle à ce moment-là ; et (3) une expérience artistique immersive est ensuite créée avec les visuels audio, intégrant les mots des notes avec l'intelligence artificielle pour créer des images, et utilisant les données générées par les données EDA pour fournir un éclairage et un son d'ambiance qui est placé derrière une lecture en direct des notes.
*Les vidéos de Dear Younger Me ont été enregistrées au Montgomery College Cultural Arts Center.
Équipe de production, projet Dear Younger Me:
- Keisha V. Thompson, chercheuse et chef de projet
- Jada Hoffman & Gilette B., Adele, lecteurs vedettes
- Ben Knapp, producteur
- Dacia Kings, compositeur
- Tianyu Ge, traitement des données et extraction des caractéristiques
- Eric Lyon, sonification et traitements spatiaux
- Geefa Adane, transcription
- Sydney Johnson, animations
- Meaghan Dee, conseillère en conception graphique
- Andraé L. Brown & Tilandra Rhyne, recrutement pour le projet
Eric Lyon : BLUE (2019, rev. 2024)
Pour deux saxophones ténor et chaos spatial. Durée: 20:00
Interprète·s: Kyle Hutchins & Marie-Chantal Leclair, saxophones
BLUE a été composé à l'origine dans une version pour saxophone ténor et trombone ténor, créée par Kyle Hutchins, saxophone, et Jay Crone, trombone. Une nouvelle version pour deux saxophones ténors est créée lors de ce concert par Kyle Hutchins et Marie-Chantal Leclair. Deux concepts clés de la pièce sont la spatialisation et l'élongation. De courts événements au saxophone sont articulés avec des réponses d'impulsion d'une durée allant jusqu'à 70 secondes. De nombreuses réponses impulsionnelles différentes ont été générées pour la pièce. La nature distendue de l'interaction entre les saxophones et le traitement informatique permet une performance introspective dans laquelle les décisions timbrales prises dans des laps de temps très courts ont des conséquences à long terme.
Charles Nichols : Sonder (2021)
Pour flûte, saxophone alto et ordinateur. Durée : 6:55
Interprète·s : Elizabeth Lantz (flûte), Kyle Hutchins (saxophone alto) et Charles Nichols (ordinateur)
Sonder, tel que défini dans The Dictionary of Obscure Sorrows de John Koenig, est la prise de conscience que tout le monde autour de vous vit une existence complexe et intéressante que vous ne connaîtrez peut-être jamais. Dans la pièce Sonder, pour flûte, saxophone alto et ordinateur, le chant en jouant, les multiphoniques, les trilles timbriques et la langue flottante servent de textures de fond à une mélodie douce et à des arpèges roulants, tandis que la performance est enregistrée dans l'ordinateur et jouée en boucle comme accompagnement. De courts échantillons de la performance, stockés dans des matrices vidéo, sont traités avec des filtres vidéo, étalant et dispersant l'enregistrement, tout en jouant les parties vers l'avant et vers l'arrière. Les échantillons plus longs sont stockés dans des tampons qui sont joués dans différentes directions, tout en sautant rythmiquement à des sections aléatoires de l'enregistrement. La pièce a été écrite pour la flûtiste Elizabeth Lantz et le saxophoniste Kyle Hutchins, qui ont créé la version audio spatiale dans le système audio spatial à 140 canaux du Cube à Virginia Tech.
Charles Nichols : The Fluted Bird (2024)
Pour flûte solo et ordinateur. Durée : 8:05
Interprète·s : Elizabeth Lantz (flûte), Charles Nichols (ordinateur)
The Fluted Bird est une pièce lyrique pour flûte solo et ordinateur, dans laquelle un musicien sur ordinateur échantillonne les fréquentes notes de grâce jouées par le flûtiste. Ces échantillons sont chargés dans des matrices vidéo qui sont filtrées pour faire écho et étaler le son, resynthétisé comme un accompagnement ambiant de la performance en direct. Le titre est tiré d'un poème du même nom de Daniel Haberman. La pièce a été écrite pour la flûtiste Elizabeth Lantz, qui créera la version audio spatiale dans le système audio spatial à 70 canaux de la salle multimédia de l'Université McGill.
Charles Nichols: Emerging: Wuhan-Hu-1 (2023)
pour flûte traversière, clarinette, violon, violoncelle, and fixed media. Durée: 10:15
Interprèt·e·s: Elizabeth Lantz (flûte traversière), Kyle Hutchins (clarinette), John Irrera (violon), Danijela Kos (violoncelle), Charles Nichols (ordinateur)
Emerging : Wuhan-Hu-1, pour flûte, clarinette, violon, violoncelle et médias fixes, sonifie la séquence des chaînes latérales d'acides aminés de la protéine du virus COVID-19, avec des instruments acoustiques et des enregistrements joués dans un dôme de haut-parleurs autour du public. À la demande de Institut for Creativity, Arts, and Technology, le compositeur Charles Nichols a collaboré avec les biologistes moléculaires Deborah Good et Shannon Mauro, qui ont compilé une séquence d'acides aminés, y compris leur comportement de pliage et leur glycosylation, pour la protéine spike de la première variante humaine du virus. Nichols a converti les chaînes latérales des vingt acides aminés, qui s'associent pour former la protéine, en motifs musicaux. En utilisant les mêmes systèmes de cryptogrammes musicaux que Bach, Schumann et Ravel pour traduire les noms en notes, il a fait correspondre les symboles chimiques des formules du squelette à différentes hauteurs. En travaillant sur le modèle de la boule et du bâton de chaque acide aminé, si une chaîne latérale se ramifie, les notes du motif musical se transposent vers le haut et vers le bas. Pour ajouter du rythme et de l'articulation aux notes, plus l'élément de la chaîne latérale apparaît haut dans le tableau périodique, plus le rythme se maintient longtemps et plus l'articulation met l'accent sur la hauteur correspondante. Pour sonifier davantage la structure de la protéine en épi et accroître l'intérêt musical de la séquence, le comportement de pliage de l'acide aminé, selon qu'il entraîne la formation d'une hélice, d'une bobine ou d'un feuillet, détermine le chevauchement des motifs musicaux entre les instruments et les instruments enregistrés, et le degré de glycosylation détermine la transposition de la hauteur des sections. La flûtiste Elizabeth Lantz, le clarinettiste Kyle Hutchins, le violoniste John Irrera, le violoncelliste Alan Weinstein et le chef d'orchestre Derek Shapiro ont créé l'œuvre en son surround au Torpedo Factory Art Center d'Alexandria, en Virginie, et en son spatial immersif au Cube de Virginia Tech.
Biographies
Charles Nichols
Compositeur, violoniste et chercheur en musique numérique, Charles Nichols explore le potentiel expressif des ensembles instrumentaux et des systèmes de musique numérique, pour la scène de concert et les collaborations avec la danse, la vidéo et l'art de l'installation. L'audio spatial, la sonification des données, la capture de mouvement, la performance télématique et la conception d'interfaces jouent un rôle dans son processus créatif. Il joue et enregistre sur violon électrique et ordinateur portable au sein du groupe Modality, qui a récemment publié l'album Embodiment sur Bandcamp, et sur ordinateur portable dans le duo Kill All Kings, avec le saxophoniste Kyle Hutchins. Après avoir obtenu des diplômes de l'Eastman School of Music, de l'université de Yale et de l'université de Stanford, il a été directeur technique au Center for Computer Research in Music and Acoustics et professeur associé à l'université du Montana. Nichols est actuellement professeur associé de composition et de technologies créatives à Virginia Tech. Son album Crossing the Divide, enregistré par le Beo String Quartet, a récemment été publié par Centaur Records.
Elizabeth Lantz
Elizabeth Lantz est professeur principal de flûte à la School of Performing Arts de Virginia Tech. Soliste et chambriste régulière, Mme Lantz s'est produite et a donné des masterclasses dans toute la région Mid-Atlantic, aux États-Unis, à Trinidad, en Amérique du Sud, au Canada, en Europe et en Corée du Sud. Elle s'est récemment produite à l'International Computer Music Conference à Séoul, en Corée du Sud, à la College Music Society's International Conference en Lettonie, en Lituanie et en Estonie, à la National Flute Association National Convention, à l'International Conference for Saxophone Pedagogy and Performance, à l'United States Navy Band International Saxophone Symposium, au Flute New Music Festival à Stony Brook, dans l'État de New York, et à la North American Saxophone Alliance Biennial Conference.
Sur le plan administratif, Mme Lantz a été présidente du programme de la Mid-Atlantic Flute Convention et coordonne les artistes invités à la School of Performing Arts de Virginia Tech. Elle est diplômée de l'Université de Californie du Sud et de l'Université de l'Arizona. Elle a notamment enseigné à Ann Diener-Zentner, Jim Walker, Tadeu Coelho et Jean-Louis Kashy. Elizabeth Lantz est une artiste de Yamaha.
Benjamin Knapp
R. Benjamin Knapp est le directeur fondateur de l'Institut pour la créativité, les arts et la technologie (ICAT) et professeur d'informatique à Virginia Tech. L'ICAT cherche à promouvoir la recherche et l'éducation aux frontières entre l'art, le design, l'ingénierie et la science. Le Dr Knapp dirige également le groupe de recherche Music, Sensors, and Emotion, avec des chercheurs au Royaume-Uni et aux États-Unis.
Depuis plus de 20 ans, Dr. Knapp s'efforce de créer des liens significatifs entre l'interaction homme-machine, la conception universelle et diverses formes de créativité. Ses recherches sur l'interaction homme-machine se sont concentrées sur le développement et la conception d'interfaces utilisateur et de logiciels qui permettent aux compositeurs et aux interprètes d'augmenter le contrôle physique d'un instrument de musique par une interaction sensorielle directe. Il détient douze brevets et est le co-inventeur du système BioMuse, qui permet aux artistes d'utiliser le geste, la cognition et l'état émotionnel pour interagir avec les médias audio et vidéo.
Auparavant, Dr. Knapp a été spécialiste principal Fulbright à l'University College de Dublin et directeur de la technologie du Technology Research for Independent Living Centre. En tant que directeur de la technologie chez MOTO Development Group à San Francisco (Californie), il a dirigé des équipes d'ingénieurs et de concepteurs qui développaient des systèmes d'interaction homme-machine pour des entreprises telles que Sony, Microsoft et Logitech. Il a cofondé BioControl Systems, une entreprise qui développe des appareils mobiles de mesure bioélectrique pour l'interaction artistique. Dr. Knapp a également été professeur et président du département d'ingénierie informatique, de l'information et des systèmes à l'université d'État de San Jose.
Il est titulaire d'un doctorat et d'une maîtrise en génie électrique de l'université de Stanford et d'une licence en génie électrique de l'université d'État de Caroline du Nord.Dr. Knapp a été l'un des principaux responsables de plusieurs projets paneuropéens, notamment CAPSIL (Common Awareness and Knowledge Platform for Studying and Enabling Independent Living) et SIEMPRE (Social Interaction and Entrainment Using Music Performance), et il a coordonné le projet européen BRAID (Bridging Research in Ageing and ICT Development).
Eric Lyon
Eric Lyon est compositeur, musicien informaticien, chercheur en musique spatiale, développeur de logiciels audio, conservateur et auteur. Dans les années 1980, Lyon a développé un large éventail de nouvelles stratégies de traitement du signal pour modifier les sons synthétiques et acoustiques, y compris une large gamme de processeurs spectraux basés sur l'analyse de Fourier. Dans les années 1990, il a développé des approches algorithmiques de la conception sonore qui ont abouti à des timbres de plus en plus complexes et imprévisibles. Parallèlement, il a commencé à travailler sur le traitement en direct des sons acoustiques, d'abord avec le système Kyma, puis avec Max/MSP, pour finalement écrire une grande collection de ses propres externes Max/MSP.
Au cours de la première décennie du XXIe siècle, Lyon a continué à développer la musique de chambre interactive par ordinateur, avec des conceptions DSP précises intégrées dans le contrepoint instrumental. Il a également commencé à développer des stratégies pour créer de la musique multicanal. Au cours de la deuxième décennie du XXIe siècle, M. Lyon s'est concentré sur la création de musique immersive pour les systèmes massivement multicanaux, également connus sous le nom de réseaux de haut-parleurs à haute densité (HDLA). Il a de plus en plus automatisé le traitement DSP en direct dans ses œuvres pour instruments acoustiques et électroniques, en s'appuyant sur les capacités de séquençage d'Ableton Live en tandem avec sa plateforme interne de conception de plug-ins DSP Max for Live. Les logiciels de Lyon accessibles au public comprennent FFTease (avec Christopher Penrose) et LyonPotpourri, des collections de modules externes écrits pour Max/MSP et Pd.
Lyon est l'auteur du livre « Automated Sound Design » (2023) qui développe de multiples stratégies pour utiliser le code afin d'automatiser le processus de conception sonore dans des contextes en temps réel et non réel. Lyon est également l'auteur du livre « Designing Audio Objects for Max/MSP and Pd » (2012) qui explique le processus de conception et d'implémentation d'objets externes DSP audio. En 2016, Lyon a été rédacteur invité du Computer Music Journal, éditant deux numéros (CMJ 40:4 et 41:1) consacrés au sujet des HDLA. Il a également dirigé l'édition 2016 de la Computer Music Journal Sound Anthology, la première anthologie binaurale publiée par le CMJ.
En 2011, Lyon a reçu un prix Giga-Hertz de ZKM, ce qui a donné lieu à la création de la composition de musique assistée par ordinateur Spirits, composée de 43 canaux. Sa composition à 124 canaux « The Cascades » a été créée dans le Cube au Virginia Tech Center for the Arts, et jouée sur le système BEAST à BEAST FEaST 2015 à Birmingham, et au SARC Sonic Lab à Belfast lors de Sonorities/Speculations 2016. Sa composition multicanal « Spaced Images with Noise and Lines » a été sélectionnée pour de multiples représentations dans le cadre du concours MUSLAB 2015, et sa composition de musique assistée par ordinateur « Light Rain, Laganside » a été sélectionnée pour être jouée au festival World Music Days 2016 de l'International Society for Contemporary Music. En 2018, Lyon a reçu une bourse Guggenheim en composition musicale.
Kyle Hutchins
Kyle Hutchins est un artiste expérimental visionnaire, un compositeur, un improvisateur et un éducateur qui trace de nouvelles frontières sonores avec son saxophone, sa voix, des technologies de pointe et un arsenal d'instruments non conventionnels. Saluée comme « épique » (Jazz Times) et « captivante » (Star Tribune), la musique de Kyle a été présentée dans des lieux prestigieux tels que le Carnegie Hall et le Walker Art Center, et a fait l'objet de festivals sur les cinq continents, notamment le World Saxophone Congress, l'Internationales Musikinstitut Darmstadt et l'International Computer Music Conference. Son talent artistique lui a valu les éloges de DOWNBEAT, New Music USA, The American Prize et American Protégé, ainsi qu'une reconnaissance dans la liste des « 40 under 40 » du magazine The Roanoker pour 2024.
Figure de proue de la performance expérimentale et de la nouvelle musique électroacoustique, Kyle a créé plus de 350 nouvelles œuvres et apparaît sur plus de trente albums en tant que leader et sideman. Il se produit régulièrement avec le 113 Composers Collective, le Fonema Consort et le Strains Ensemble, et a travaillé avec d'éminents compositeurs et interprètes tels que Pauline Oliveros, George Lewis, Chaya Czernowin, Douglas Ewart et Claire Chase. Kyle a également développé des collaborations de longue date avec de nombreux artistes contemporains tels que Ted Moore, Tiffany M. Skidmore, Joey Crane, Emily Lau, Elizabeth A. Baker, Charles Nichols, Eric Lyon, et bien d'autres artistes merveilleux et amis chers.
« Membre de la dynastie de l'improvisation électroacoustique (Downtown Music Gallery), Kyle est un improvisateur éminent dont le jeu est décrit comme « indubitablement courageux “ (Issues Magazine) et ” franchement dangereux » (I Care If You Listen). On peut entendre son travail sur des labels tels que Carrier, Lurker Bias, Noise Pelican et Mother Brain, ainsi que dans des festivals et des séries comme afterMAF, SKRONK et CUSP. Ses projets en cours, dont Binary Canary, Kill All Kings et Banshee, s'inspirent des influences du free jazz, de la musique bruitiste et du punk rock.
Depuis 2016, Kyle est membre de la faculté de Virginia Tech, où il est professeur adjoint de pratique à l'École des arts de la scène et directeur du New Music + Technology Festival et du programme ArtX à l'Institut pour la créativité, les arts et la technologie. Il est titulaire d'un doctorat en arts musicaux et d'une maîtrise en musique de l'université du Minnesota, ainsi que d'une licence en interprétation musicale et en éducation musicale de l'université du Texas du Nord, où il a étudié avec Eugene Rousseau, Eric Nestler, Marcus Weiss et James Dillon. Kyle est artiste interprète pour les embouchures Yamaha, Légère et E. Rousseau.
John Irrera
Loué par le Santa Barbara Daily Sound pour ses interprétations « émouvantes et hypnotiques » et par le magazine Fanfare pour sa « précision impeccable », le violoniste John Irrera s'épanouit en tant que soliste, chambriste, musicien d'orchestre et pédagogue. Les débuts de John au Carnegie Hall ont été salués par le New York Concert Review, qui a qualifié son interprétation de « fascinante et dynamique ». Depuis ses débuts dans le concerto avec l'orchestre philharmonique de Rochester dans le concerto pour violon de Tchaïkovski sous la direction du maestro Jeff Tyzik, John a joué des concertos avec de nombreux orchestres, dont le Penfield Symphony, le Georgia Symphony, le Georgia Tech Symphony Orchestra, le Kennesaw State University, et avec l'Eastman Percussion Ensemble. Ses récitals ont été entendus dans des salles de concert telles que le Lincoln Center, l'Eastman Theatre et le Spivey Hall, ainsi que sur trois continents.
Il s'est récemment produit à la College Music Society National Conference à Miami, en Floride, à l'université du Nouveau-Mexique, à l'université du Nevada-Las Vegas, à l'université de Louisville, au Conservatori Superior de Música Óscar Esplà, à Alicante, en Espagne, à la National Library of Wales et au Conway Hall, à Londres.
En tant que musicien de chambre, John a cofondé, avec son frère Joseph, le duo Irrera Brothers, qui a donné des concerts dans le monde entier. Le duo a publié l'intégrale des œuvres pour violon et piano du compositeur Robert Morris, sur le label Centaur, et a reçu des critiques positives. Fanfare Magazine a déclaré : « Les Irrera sont impressionnants. John négocie une partie de violon souvent exigeante et disjointe avec une finesse subtile, sans sacrifier le sens de la ligne musicale ». John est également membre fondateur de l'ensemble de chambre à instruments mixtes October Sky, composé de collègues professeurs de Virginia Tech. L'ensemble vient de sortir son premier album à l'été 2023 sur le label MSR et a été acclamé par la critique. Le magazine Fanfare a déclaré : « Ils jouent avec un esprit saisissant, une richesse tonale et un ensemble d'une grande netteté. Recommandé avec enthousiasme » et »le jeu merveilleux de John Irrera, tout au long de l'album, ajoute incommensurablement au charme et à l'intérêt. »
En tant que musicien d'orchestre actif, John s'est produit avec le New World Symphony sous la direction de Michael Tilson Thomas et Thomas Adès, avec le Metropolis Ensemble nommé aux Grammy Awards sous la direction du compositeur Tan Dun, a été premier violon du Genesee Symphony Orchestra, et avec le Charleston Symphony (SC). Au printemps 2022, John a été nommé premier violon associé de l'Orchestre symphonique de Roanoke.
John est diplômé de l'Eastman School of Music, où il a obtenu son DMus après avoir étudié avec les studios de Zvi Zeitlin et Federico Agostini et avoir été leur assistant d'enseignement. Actuellement, John est professeur adjoint de violon à Virginia Tech.
Danijela Kos
Danijela Kos est née à Zagreb, en Croatie, dans une famille non musicienne. Elle a commencé ses études à l'Académie des arts de l'Université de Split sous la direction du professeur Mihovil Karuza, où elle a obtenu sa licence. Elle a poursuivi ses études avec le professeur Michal Kanka à l'Académie des arts du spectacle de Prague, où elle a obtenu son master en 2021.
Danijela a participé à de nombreuses masterclasses avec des violoncellistes et des pédagogues estimés, notamment Danjulo Ishizaka, Michel Strauss, Xenia Jankovic, Torleif Theeden, Miklós Perényi, Ilia Laporev (Philharmonie Luxembourg), Emil Rovner, le Manhattan String Quartet et Thomas Carroll.
Elle a également participé à divers festivals de musique, tels que l'Aurora Music Festival (Stockholm, 2018), l'ISA - International Summer Academy (Autriche, 2019), Verao Classico (2022), et Orford Musique (Canada, 2023).
Danijela a reçu plusieurs bourses, dont une de l'université de Split, qui lui a permis d'étudier à l'université d'État de Pennsylvanie avec la célèbre violoncelliste américaine Kim Cook en 2016. Elle est également titulaire d'une bourse complète pour l'Académie internationale d'été de l'Université de musique de Vienne. En 2023, elle a reçu une bourse pour le Miami Music Festival. Elle a occupé le poste de violoncelle coprincipal au sein de l'Orchestre philharmonique Bohuslav Martinů de 2022 à 2024 et a été invitée à jouer avec l'Orchestre philharmonique de Prague.
Actuellement, elle est basée à Montréal et poursuit ses études doctorales sous la tutelle du professeur Brian Manker à l'École de musique Schulich de l'Université McGill.
Marie-Chantal Leclair
La saxophoniste Marie-Chantal Leclair consacre la majeure partie de son temps aux musiques nouvelles. Musique contemporaine, électronique, improvisée, nouvelles lutheries, elle est de toutes les aventures. Au sein du quatuor de saxophones Quasar, dont elle est directrice artistique depuis sa fondation en 1994, elle a donné de nombreux concerts à Montréal, à travers tout le Canada, aux États-Unis ainsi que dans plusieurs pays d’Europe, Elle a créé plus de 150 œuvres et mis sur pieds des projets couvrant différents domaines de création musicale. Les concerts de Quasar sont régulièrement diffusés par la radio de Radio-Canada, la CBC et des radios européennes. Lauréat de 6 prix OPUS, dont le prix « interprète de l’année », Quasar s’est également illustré à titre de soliste avec les orchestres symphoniques de Montréal, Winnipeg et Longueuil.
Marie-Chantal Leclair est aussi régulièrement invitée à jouer avec d’autres formations de l’ensemble de musique de chambre à l’orchestre. Elle fut soliste invitée de l’Orchestre Appassionata (2010) et de l’Orchestre métropolitain (2012). Elle fait également des performances remarquées à l’orgue de sirènes, un instrument créé par le compositeur Jean-François Laporte. En 2010, le concert Les Cinq Orients, auquel elle participe en tant que co-compositrice et interprète, remporte le Prix OPUS « Concert de l’année : musique actuelle, électroacoustique ».
Pédagogue appréciée, Marie-Chantal Leclair a donné des classes de maître et des conférences à travers tout le Canada ainsi qu’en Europe, notamment au Conservatoire de Bordeaux et au Conservatoire de Lucerne. Depuis 2015, elle enseigne le saxophone à l’École de musique Schulich de l’Université McGill. En 2009, le Centre de musique canadienne reconnaissait sa contribution exceptionnelle au développement de la musique canadienne en lui décernant le titre Ambassadrice du CMC. Marie-Chantal Leclair est présidente du groupe Le Vivier qui regroupe une quarantaine d’organismes québécois dédiés aux nouvelles musiques.