Réservations
*Note : Cet événement aura lieu à la Salle Claude-Champagne, Université de Montréal, 220 ave Vincent-d'Indy
Places libres, aucune réservation requise.
Pour les étudiant·es du CIRMMT qui souhaitent que leur présence soit prise en compte pour l'attribution des prix, veuillez vous assurer de scanner le code QR disponible à l'entrée de la Salle Claude-Champagne.
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Programme
Claudio Panariello : OTIAC (2025-26, création mondiale)
Pour guitare et électronique en direct. Durée : 10'
Interprète·s : Pierpaolo Dinapoli (guitare classique), Matteo Tundo (électronique en direct)
En 2010, un poulpe nommé Paul suscita une attention considérable. L’animal, d’origine italienne mais vivant dans un aquarium à Oberhausen, était capable de prédire les résultats des matches de la Coupe du monde de football de la FIFA 2010 en choisissant l’une des boîtes représentant les équipes en compétition qui lui étaient présentées. Fait remarquable, Paul le Poulpe prédit correctement les résultats de 12 matches sur 14, devenant ainsi l’un des oracles animaux les plus célèbres des temps modernes. OTIAC — acronyme de « O totaro int’a chitarra », c’est-à-dire « le calmar » (ou, dans d’autres versions, le poulpe) « dans la guitare », image populaire issue du folklore napolitain — est une œuvre expressément conçue pour H[t] Duo.Plus qu’un duo, il s’agit en réalité d’un trio : le guitariste, l’interprète de l’électronique, et le « poulpe dans la guitare », c’est-à- dire un système computationnel autonome. Ce « poulpe » constitue une implémentation d’un automate Factor Oracle, une structure qui apprend à partir de la performance en temps réel en construisant un modèle du matériau musical, à laquelle s’ajoute un niveau supérieur d’algorithmes d’apprentissage automatique permettant au système d’effectuer des choix autonomes quant au moment et à la manière d’intervenir.
L’ensemble de l’œuvre repose sur des matériaux de rétroaction produits en direct par le guitariste et l’interprète de l’électronique ; ceux-ci sont sélectionnés et classés par le système qui, à la manière de l’oracle Paul le Poulpe, décide quels matériaux sonores doivent être réinjectés dans la guitare, en fonction de ce qu’il écoute et de ce qu’il prédit. La collaboration de ces trois éléments façonne progressivement l’évolution globale de la performance.
Ainsi, toutes les composantes impliquées dans OTIAC contribuent de manière équivalente à la création de l’œuvre finale. OTIAC constitue dès lors une exploration de l’interaction entre ces agents, qui naviguent dans la matière sonore issue de la rétroaction au sein du cadre interactionnel que j’ai conçu pour eux.
Ariadna Alsina Tarrés : Closca II. Skin of glass (2025-26, première nord-américaine)
Pour guitare et électronique en direct. Durée : 6'
Interprète·s : Pierpaolo Dinapoli (guitare classique), Matteo Tundo (électronique en direct)
Commandée par le duo italien H[t] DUO, spécialistes de la musique de chambre pour guitare et électronique en temps réel, cette œuvre explore la relation intime et dynamique entre le geste instrumental et l’univers électronique de la génération et de la transformation du son. Dépassant les techniques traditionnelles et contemporaines de la guitare, elle se concentre sur des sonorités périphériques et dites « parasitaires », telles que les frictions, les résonances et les éléments percussifs.
Au cœur de la pièce se déploie une réflexion poétique sur l’enchevêtrement croissant entre les organismes vivants et la technologie. S’inspirant de la biotechnologie, du design bio-inspiré et du transhumanisme, l’électronique transforme en continu le son de la guitare en temps réel, fusionnant gestes acoustiques, attaques et résonances avec des extensions électroniques et des spectres synthétisés.
Grâce à l’utilisation de transducteurs et d’une amplification de proximité, la guitare devient un instrument véritablement hybride, permettant aux matériaux électroniques de résonner au sein même de ses cordes et de sa caisse. La synthèse par modélisation physique accentue encore cette hybridité en générant une guitare virtuelle, onirique, qui brouille la frontière entre réalité et illusion.
Stylianos Dimou : Fray (2025-26, première mondiale)
Pour guitare acoustique et électronique en direct. Durée : 8'
Interprète·s : Pierpaolo Dinapoli (guitare classique), Matteo Tundo (électronique en direct)
Fray explore le seuil à partir duquel l’immédiateté physique de la guitare classique commence à se désintégrer. L’œuvre puise sa matière première dans le geste mécanique, le contact percussif et la friction rythmique — le grain du bois sous la pression, le raclement des cordes, la netteté de l’attaque. Ces événements tactiles constituent un vocabulaire de mouvements récursifs, où les actions répétées érodent progressivement leur propre lisibilité et révèlent des strates cachées au sein du son de l’instrument. L’électronique en temps réel ne fonctionne pas comme un simple vernis extérieur, mais comme un agent actif de distorsion, de mutation et de subversion. Elle électrifie la réalité acoustique de la guitare, tordant les résonances familières en timbres corrodés, étirant les harmoniques en échos évidés, et générant des figures sonores hybrides qui oscillent entre le mécanique et le spectral. À mesure que la musique se déploie, la guitare et l’électronique s’effilochent l’une dans l’autre : les impulsions rythmiques se brouillent en bruit, les fissures percussives s’épanouissent en rémanences résonantes, et les sonorités fragiles se plient en formes inaccoutumées. Fray retrace ce processus de délitement — où le son se dépouille de son identité pour réémerger comme une présence chargée, électrifiée.
Pierre Jodlowski : Twins Peak (2015, Première nord-américaine)
Pour deux batteries, chef d'orchestre et bande magnétique. Durée : 20'
Interprète·s : Antonin Granier (direction), Alexandre Lavoie (batterie), Martin Daigle (batterie)
Twins Peak questionne le star-system et ses problèmes. C'est un face-à-face violent où la virtuosité est en jeu. Cette confrontation est perturbée par un troisième personnage : tantôt chef d'orchestre, tantôt percussionniste. L'œuvre comporte plusieurs références à l'univers de David Lynch, ce qui en fait un conte musical où tout doit être vu à travers un prisme ironique.
Camille Rocailleux : Konvulson (2015, Première nord-américaine)
Pour trois percussionnistes corporels et voix. Durée : 10'
Interprète·s : Antonin Granier (percussionnistes corporels), Alexandre Lavoie (percussionnistes corporels), Martin Daigle (percussionnistes corporels), Salomé Karam (voix)
Camille Rocailleux est connue pour mélanger les arts du spectacle de manière fluide et imperceptible avec ses compagnies arcosm et E.V.E.R. La pièce Konvulson ne fait pas exception à la règle, combinant une partition virtuose et chorégraphique de percussions corporelles avec un humour décalé et absurde. Elle réussit à mélanger plusieurs esthétiques musicales, empruntant à la chanson, au métal et à l'électro-pop, pour former un tout cohérent.
Biographies
Hariat
Hariat est un collectif artistique émergent basé à Montréal qui se démarque sur la scène musicale contemporaine. Axé sur le théâtre musical, la musique mixte et les percussions, il réunit Alexandre Lavoie, Martin Daigle, Antonin Granier et Salomé Karam.
Le collectif se consacre à la création de concerts contemporains et expérimentaux à travers des fables musicales et théâtrales. Son approche repose sur une interdisciplinarité délibérée : chaque interprète peut tour à tour devenir mime, comédien ou danseur, selon les besoins de la création et les forces de chacun.
Martin Daigle
Lauréat 2022 du prix Innovateur de l'année décerné par Music NB, Martin Daigle est un interprète, compositeur et chercheur interdisciplinaire originaire du Nouveau-Brunswick, au Canada. Fort d'une base créative solide en tant que batteur et percussionniste, son travail diversifié d'interprète, de compositeur et de chercheur repousse les limites entre l'art audiovisuel et l'art électroacoustique. L'approche innovante de Martin en matière de musique percussive fait appel à des appareils électroniques, notamment dans le cadre de ses recherches en cours sur le développement d'une batterie augmentée, qui combine des sons de batterie acoustiques, des échantillons numériques et des manipulations visuelles pour un résultat vraiment unique.
Antonin Granier
Antonin a débuté comme batteur dans *Epitaphe*, un groupe combinant un métal extrême au son brutal, des textures synthwave et des structures progressives. D'abord à Grenoble, puis à Londres, il s'est pris de passion pour les percussions contemporaines, le théâtre musical et les œuvres collectives et plurielles. Il a collaboré à plusieurs reprises avec des compositeurs, des chorégraphes et des metteurs en scène, mettant ses talents de percussionniste au service d'autres arts du spectacle. Il est membre d'*Eptagon*, un collectif basé à Grenoble qui se consacre au bruit, au métal, à la musique électronique, à la musique semi-improvisée, aux arts visuels et à la vidéo. Il continue à écrire du métal et à jouer de la batterie pour Epitaphe, et à produire des sons étranges avec ses machines pour leur projet parallèle expérimental *Eventide*. Curieux et déterminé à rendre toute esthétique accessible à tous les publics, il a transcrit des œuvres classiques pour marimba, des œuvres contemporaines et des comédies musicales dans des lieux divers : des entrepôts de Grenoble aux pubs jazz de New Delhi, en passant par les galeries d'art de Londres. Après plusieurs années d'enseignement des percussions au Conservatoire d'Eybens (France), Antonin a obtenu un deuxième master à l'Université McGill de Montréal afin d'approfondir ses connaissances en percussions contemporaines. Il est aujourd'hui doctorant à l'Université McGill, où il travaille sur le lien entre les percussions, le langage corporel et la scénographie. Depuis 2025, il tourne dans le monde entier avec les spectacles Alt-Escape et Lumens Game de Video Phase.
Alexandre Lavoie
Originaire de l'Abitibi, Alexandre a obtenu une maîtrise en percussion en 2018 et a reçu le Prix avec distinction du Conservatoire de musique de Québec, dans la classe d'Anne-Julie Caron. Il a obtenu son diplôme en interprétation orchestrale au Conservatoire de Montréal en 2019. Il a participé au programme Roots and Rhizomes du Banff Centre for Arts and Creativity, où il s'est produit et a participé à des séminaires avec Steven Schick et Aiyun Huang. Alexandre est percussionniste principal de l'Orchestre Métropolitain (dir. Yannick Nézet-Séguin) depuis 2019. Depuis de nombreuses années, il a le privilège de travailler avec l'Orchestre symphonique de Québec, l'Orchestre de l'Agora, Les Violons du Roy, I Musici et de nombreux projets de création et ensembles de musique de chambre tels que Sixtrum et Paramirabo. Il a également été vibraphoniste et batteur pour des enregistrements et des performances dans le cadre de projets pop/jazz. L'enseignement étant un aspect important de sa carrière musicale, il a travaillé avec plusieurs organisations, notamment le Conservatoire de Québec et le Collège Notre-Dame à Montréal, et enseigne actuellement à la Schulich School of Music de l'Université McGill.
Salomé Karam
Depuis 2018, Salomé étudie le chant classique et poursuit actuellement une maîtrise en interprétation à l'Université de Montréal. Salomé est une artiste qui travaille dans de nombreux domaines différents. Elle se produit dans des chorales, dans des comédies musicales et enregistre régulièrement de nouvelles musiques contemporaines et des bandes sonores de vidéos. Elle est danseuse et chanteuse dans la production Les Veilleuses d'AMOURAMOUR et Chants Libres. Elle a interprété le rôle de Mimi dans la comédie musicale RENT avec la production 90' en 2025. Elle a travaillé avec plusieurs chorales, notamment la Chorale nationale des jeunes du Canada, Inspiration (France), Musica Orbium et la chorale de l'Opéra de Montréal.
Camille Rocailleux
Après avoir suivi une formation prestigieuse au Conservatoire National Supérieur de Musique de Lyon, il rejoint d'abord de grands orchestres, puis s'impose rapidement comme un artiste multidisciplinaire. Il se passionne pour la danse et fonde et co-crée des spectacles pour la compagnie ARCOSM de 2001 à 2016, classée compagnie d'intérêt national par le ministère de la Culture (plus de 2 500 représentations en France et à l'international).
Créateur passionné par les aventures hors des sentiers battus, il a collaboré avec Jérôme Savary, Estelle Savasta, les chanteuses Daphné et Camille, Judith Chemla, Hugh Coltman, Benjamin Biolay et le pianiste Gonzales.
Il compose également pour le cinéma (Gaël Morel, Stéphane Brizé, etc.) et écrit des musiques pour les productions théâtrales de Yannick Jaulin, Yves Beaunesne, Carole Thibaut et Florence Lavaud, collaborant avec de nombreux théâtres nationaux et centres dramatiques.
Attiré par la nature interdisciplinaire du spectacle vivant, l'écriture instrumentale et lyrique liée aux formes hybrides et aux langages contemporains, ainsi que par l'apport des nouvelles technologies, il a créé la compagnie EVER en 2013. Il est artiste associé à la Maison de la Culture MCB° de Bourges, au CDN de Montluçon, au Grand Bleu de Lille et au Théâtre Auditorium des 4 Saisons de Gradignan.
Pierre Jodlowski
Pierre Jodlowski développe son travail en France et à l'étranger dans le domaine de la musique contemporaine. Sa musique, souvent marquée par une densité importante, se situe à la croisée des sons acoustiques et électriques et se caractérise par ses racines dramaturgiques et politiques. Son travail l'a conduit à se produire dans la plupart des salles dédiées à la musique contemporaine, mais aussi dans des circuits parallèles : danse, théâtre, arts visuels et musique électronique. Il est fondateur et codirecteur artistique du studio éOle à Toulouse et, depuis 2019, directeur artistique du festival Musica Electronica Nova, produit par le Forum national de la musique de Wroclaw, en Pologne. En 2021, il a été nommé compositeur associé du Cours de composition de l'IRCAM.
Dans ses projets, il collabore avec la plupart des ensembles de la scène musicale contemporaine (Nadar, Ictus, Intercontemporain, KNM, PHACE, MusikFabrik, E.O.C, Black Page, N.E.M, N.E.C, Ars Nova, Proxima Centauri, Court-Circuit, Berg Orchestra, Soundinitiative, LUX PHACE, MusikFabrik, E.O.C, Black Page, N.E.M, N.E.C, Ars Nova, Proxima Centauri, Court-Circuit, Berg Orchestra, Soundinitiative, LUX:NM, etc.) et de nombreux solistes de la scène musicale internationale avec lesquels il a développé des collaborations privilégiées. Son travail sur l'image et le développement de ses projets de performance l'amènent également à collaborer avec des artistes visuels, des auteurs, des metteurs en scène, des scénographes et des dramaturges.
[h]t duo
Le duo [h]t est un ensemble dédié à l'exploration de l'interaction entre la guitare classique et l'électronique live. À travers un répertoire commandé, des modèles d'interaction innovants et des approches expérimentales de la microphonation et de la diffusion sonore, le duo explore de nouvelles possibilités performatives et expressives, établissant un dialogue raffiné de musique de chambre entre les univers sonores acoustiques et électroniques.
Pierpaolo Dinapoli
Pierpaolo Dinapoli est un guitariste italien, classique et électrique, dont la pratique artistique est centrée sur la musique contemporaine, à l’intersection de l’interprétation instrumentale et de la recherche artistique. Il est membre fondateur des ensembles Azione_Improvvisa et H[t] Duo, et a collaboré avec des formations de premier plan telles que MDI et Syntax. Il travaille étroitement avec des compositeurs de renom, parmi lesquels Rachel Beja, Mauro Lanza, Marco Momi, Javier Torres Maldonado et Giovanni Verrando, assurant fréquemment la création de nouvelles œuvres.
Il s’est produit à l’international dans des institutions et festivals tels que la Villa Médicis (Rome), la Goethe-Universität de Francfort, Milano Musica, Unerhörte Musik Berlin et les Ferienkurse de Darmstadt. Ses enregistrements ont été publiés par les labels Stradivarius, EMA Vinci et Liquen Records.
Il donne des conférences sur les techniques contemporaines de la guitare, publie des articles analytiques et a cofondé la plateforme en ligne Obiettivo Contemporaneo. Il est titulaire de diplômes en guitare, musique de chambre et composition, et prépare actuellement un doctorat à Milan.Matteo Tundo
Matteo Tundo est un compositeur italien de musique acoustique et électroacoustique. Sa recherche compositionnelle se concentre sur la perception et la cognition des événements sonores, en étudiant les mécanismes neuronaux qui sous-tendent la signification du son. Son travail s’articule autour de l’intégration de la neuroesthétique dans la composition musicale, en recourant à des technologies innovantes afin d’intensifier l’engagement perceptif de l’auditeur et son expérience sensorielle.
Après des études initiales de guitare, il s’est entièrement consacré à la composition et aux nouvelles technologies, se formant dans les conservatoires de Florence, Parme et Lugano, ainsi qu’à l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia.
En 2024, il a été compositeur en résidence auprès du Divertimento Ensemble. La même année, il a fondé, avec le guitariste Pierpaolo Dinapoli, le duo h[t] duo, formation pour guitare et électronique en temps réel, au sein de laquelle il est actif en tant qu’interprète électroacoustique.
Il enseigne actuellement la musique informatique au Conservatoire de Brescia (Italie).
Stylianos Dimou
Stylianos Dimou est un compositeur grec actif dans les domaines de la musique acoustique, électroacoustique et acousmatique, reconnu par des institutions telles que le programme Fulbright, la Fondation Onassis, la Fondation Stavros Niarchos, le SWR Experimentalstudio et la Cité Internationale des Arts. Il a étudié la composition à l’Université Aristote de Thessalonique, à l’Eastman School of Music, puis a suivi le Cursus de l’IRCAM à Paris. Il a obtenu son doctorat à l’Université Columbia en tant que Dean’s Fellow, travaillant avec George Lewis, Fred Lerdahl, Georg Friedrich Haas et Brad Garton. Il est professeur associé de composition à la Grieg Academy de l’Université de Bergen, où il enseigne la composition, les technologies musicales, les pratiques électroacoustiques et l’analyse. Ses recherches portent sur l’interaction interprète– technologie, l’immersion spatiale et l’intégration des médias instrumentaux et électroniques, avec un intérêt particulier pour les structures microtonales et chromatiques.
Il a précédemment enseigné à l’Université du Péloponnèse et à la Hong Kong Baptist University. Parmi ses distinctions figurent le prix Ulysses Network/IRCAM, le prix Luigi Nono, le Martirano Award et la distinction du forum [’tactus] Young Composers.
Claudio Panariello
Né à Naples en 1989 et actuellement basé à Paris, Claudio Panariello a étudié la composition, la musique électronique et le piano, avec un détour par des études de physique à l’Université de Pise.
Travaillant avec l’électronique, les machines et des ensembles renommés de musique contemporaine, sa pratique artistique la plus récente explore les paradigmes collaboratifs entre l’intelligence artificielle et la créativité humaine, avec un accent particulier sur l’utilisation du feedback audio et des systèmes musicaux adaptatifs.
Il est titulaire d’un doctorat en Sound and Music Computing de la KTH Royal Institute of Technology de Stockholm. Sa thèse doctorale, intitulée Converging Creativity: Intertwining Music and Code, est accessible en ligne.
Il est actuellement chercheur postdoctoral au sein de l’équipe Algomus à CRIStAL (Université de Lille, France), où il s’intéresse à l’apprentissage tout au long de la vie pour la génération musicale co-créative. Il enseigne également la musique électronique aux niveaux licence et master à la School of Electronic Music (SMET) du Conservatoire « G. Verdi » de Turin (Italie).
Ariadna Alsina Tarrés
Ariadna Alsina Tarrés a étudié le violon au Conservatori Superior del Liceu de Barcelone avant de suivre des études de sonologie à l’ESMUC et d’orienter son activité musicale vers la composition auprès de L. Naón, G. Brncic, F. Pastor et E. Resina. Elle a parallèlement obtenu un diplôme en histoire de l’art à l’Universitat Autònoma de Barcelona ainsi qu’un master en productions et recherche artistiques (Université de Barcelone).
Elle a ensuite poursuivi sa formation en composition à Paris auprès de J. M. López López, H. Vaggione, A. Sedès, Ch. Groult, H. Parra et M. Matalón. En 2015–2016, elle a suivi le Cursus de l’IRCAM ainsi que le master en composition de musique mixte à la HEM Genève, auprès de P. Dusapin, E. Daubresse, L. Naón et M. Jarrell.
Son travail est centré sur la malléabilité du son et le timbre, et s’étend à des projets instrumentaux, mixtes, électroacoustiques et interdisciplinaires.
Sa musique a été interprétée dans toute l’Europe (Manifeste, GRM, Zeppelin, Phonos, EmuFest, BFM), ainsi qu’aux États-Unis et au Chili. Elle a soutenu un doctorat sur la musique mixte à l’Université Paris 8 sous la direction de Makis Solomos et Alain Bonardi. De 2019 à 2024, elle a été assistante dans la classe de composition à la HEM Genève et enseigne actuellement au sein du master en composition avec technologies à l’ESMUC. Elle est lauréate du prix Fondation Pierre Wissmer–Pulsations Contemporaines / SACEM 2025.